Мысли, чувства, образы окружающего мира передаются в музыке звуками. Но почему определенная последовательность звуков в мелодии создает печальное настроение, а другая, наоборот, звучит светло и весело? Почему одни музыкальные произведения вызывают желание петь, а иные - танцевать? И почему от прослушивания одних возникает чувство легкости и прозрачности, а от других - грусти. Каждое музыкальное произведение отличается определенным набором характеристик. Эти характеристики музыканты называют элементами музыкальной речи. Содержание пьес передается разными элементами музыкальной речи, создающими определенный образ. Главным средством музыкальной выразительности является мелодия. Именно с мелодии начинается музыка как особое искусство: первая услышанная, первая пропетая мелодия становится одновременно и первой музыкой в жизни человека. В мелодии - то светлой и радостной, то тревожной и сумрачной - слышатся нам человеческие надежды, печали, тревоги, раздумья. Мелодия - «главная прелесть, главное очарование искусства звуков, без нее все бледно, мертво…», - писал когда-то замечательный русский музыкант, композитор и критик А.Серов. «Вся прелесть музыки - в мелодии», - говорил И.Гайдн. «Без мелодии музыка немыслима», - слова Р.Вагнера.
Глюк. "Мелодия" из оперы "Орфей и Эвридика"
Например, пьеса немецкого композитора К. Глюка, которая называется «Мелодия». Она звучит то жалобно, тоскливо, печально, иногда с волнением, мольбой, щемящим чувством отчаяния и грустно. Но мелодия эта льётся как бы на одном дыхании. Поэтому можно сказать, что в пьесе одна часть. В ней нет контрастных, других мелодий.
Мелодия - основа музыкального произведения, развитая, законченная музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Это выразительный напев, который может передать различные образы, чувства, настроения. Греческое слово «melodia» означает «пение песни», так как происходит от двух корней: melos (песнь) и ode (пение). Самой маленькой частью мелодии является мотив - короткая законченная музыкальная мысль. Мотивы объединяются в музыкальные фразы, а фразы - в музыкальные предложения. Несмотря на небольшой размер, мелодия вмещает в себя все составляющие драматургического развития: начало (рождение основного мотива), развитие, кульминация и заключение.
Антон Рубинштейн. Мелодия.
Проанализируем пьесу А.Г.Рубинштейна, которая так и называется «Мелодия». В ее основе - трехзвучный мотив, который, покачиваясь, как бы набирается силы для дальнейшего развития. Четыре фразы образуют два предложения, а они, в свою очередь, составляют простейшую музыкальную форму - период. Развитие главной интонации достигает вершины во втором предложении, где происходит подъем мелодии на самый высокий звук.
В каждом произведении - вокальном или инструментальном есть одна или несколько мелодий. В больших, крупных произведениях их очень много: одна мелодия сменяет другую, повествуя о своем. Различая, сравнивая мелодии по настроениям, мы чувствуем и понимаем, о чём рассказывает музыка.
Своим светлым, ясным лиризмом привлекает "Мелодия" Чайковского. наряду с прелюдией как одна из лучших пьес в данной серии. Плавно и спокойно развертывающийся широкими волнами мелодический голос сочно и выразительно звучит в среднем «виолончельном» регистре на фоне триольного аккордового сопровождения.
Чайковский. "Мелодия" для скрипки и фортепиано.
"Цыганская мелодия" А.Дворжака - это одна из семи " Цыганских мелодий," созданная им по заказу певца Вальтера.
«Цыганские мелодии» воспевают свободолюбивых и гордых людей загадочного племени, бродящего по землям Австро-Венгерской империи со своими странными песнями и плясками в сопровождении цимбал — любимого инструмента цыган. В пестрой череде сменяют одна другую зарисовки природы, песни и пляски, не образуя единой линии развития.
Дворжак. "Мелодия" или "Цыганская мелодия".
Глазунов. "Мелодия."
Пьесы-фантазии для фортепиано ор. 3 — раннее сочинение Сергея Рахманинова, датированное 1892 годом. Цикл состоит из пяти пьес. Из них под номером 3 - пьеса "Мелодия."
Пьесы цикла считаются одними из самых исполняемых произведений Рахманинова в студенческой среде, при этом отмечается, что ценность их не только в развитии техники правой руки пианиста, но и в образцовом представлении композиторского мышления с богатой мелодикой и выраженной фортепианной идиоматикой.
Рахманинов." Мелодия."
Текст из лекции преподавателя музыкально-теоретических дисциплин Галиевой Ирины Аркадьевны и других источников.
Мелодия (от греч. melos - пение, mélodie - франц., нем., melodia - итал.) - музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Под этим понимается прежде всего выражение посредством изменения высоты звука во времени (мелодического движения). Мелодия непосредственно связана с ритмом, однако условно область мелодии и ритма разделяются так, что к мелодии относится изменение звука по высоте, а к ритму организация звуков во времени по длительности и акценту.
Ритм - это соотношения длительностей звуков (нот) в их последовательности, из которой складывается мелодия.
Ноты могут иметь различную длительность, вследствие чего между ними создаются определенные временные соотношения. Объединяясь в различных вариациях, длительности звуков (нот) образуют различные ритмические фигуры, из которых складывается общий ритмический рисунок музыкального произведения. Этот ритмический рисунок и есть ритм.
Ритм не привязан ни к каким абсолютным единицам измерения времени, в нем заданы лишь относительные длительности нот (эта нота звучит дольше той в 2 раза, а эта - в 4 раза короче и т. д.).
Мелодию называют душой музыки, одаривают эпитетами - благородная, возвышенная, вдохновенная, грациозная, сладостная. П. И. Чайковский, А. Г. Рубинштейн, С. В. Рахманинов и другие композиторы оставили нам произведения, которые называются «Мелодия» - они как бы олицетворяют музыкальность самой музыки.
Почему же из всех компонентов музыки именно мелодия — одноголосная мысль ближе всего человеку?
Ответ простой: мелодию можно спеть, и человек действительно очень часто мысленно ей подпевает . Это очень важно. В сопереживании - сила музыки. Картина живописца предстает в первую очередь как внешний объект, и только постепенно человек оценивает музыку линий в картинах С. Боттичелли, нежные краски О. Ренуара, стройную гармонию Рафаэля. Музыка же изначально, от самых первых звуков колыбельной воспринимается как дружественный, родственный голос, звучащий в душе.
Не всякую одноголосную последовательность звуков мы можем назвать мелодией, а только осмысленную, живую, одухотворенную. Если бы смысл, окружающий звуки мелодии, сделался вдруг видимым, нам бы открылась картина удивительно многокрасочная. Вот, например, так называемая «бесконечная мелодия». Она развертывается как песнь души, наполняющее ее чувство то растет, то словно в изнеможении слабеет, окрашивается эмоциональными полутонами - надеждой, радостным порывом, разочарованием, печалью, решимостью. Такие мелодии звучат в музыке романтиков - их можно встретить у Ф. Шуберта, Ф. Шопена, Р. Вагнера. Особенной широтой эмоционального дыхания отличаются мелодии Чайковского и Рахманинова.
А вот совершенно иной тип мелодии - своего рода характеристический портрет персонажа. Таких мелодий, опирающихся на яркий жест, движение, на выразительность шага, особенно много в балетах; в инструментальных произведениях - у Ф. Куперена, Ж. Ф. Рамо, Д. Скарлатти, Й. Гайдна, В. А. Моцарта, С. С. Прокофьева, Р. К. Щедрина.
Есть мелодии-речи, мелодии-монологи. Многие мелодии И. С. Баха не столько поют, сколько страстно и возвышенно говорят; их вдохновенно-напряженный ораторский пафос передается и слушателю. В эпоху романтизма мелодия-речь окрашивается в иные жанровые тона, например в легендах, поэмах, думках, в вокальных и инструментальных балладах, погружающих слушателя в атмосферу тревожных и необычных событий.
Каждый жанр, каждый исторический, национальный и индивидуальный стиль порождают свои, особые типы мелодики. Их различия выявляются в самых разных сторонах звучания: в характере высотной линии, в ладогармонической напряжённости звуков и интервалов, в ритмике, в темпе, артикуляции, в способах синтаксического членения и связи. За всеми этими различиями звукового оформления важно почувствовать богатство исторического содержания музыки, множественность проявлений человека в разнообразных ситуациях исторически развивающейся жизни.
Мысли, чувства, образы окружающего мира передаются в музыке звуками. Но почему определенная последовательность звуков в мелодии создает печальное настроение, а другая, наоборот, звучит светло и весело? Почему одни музыкальные произведения вызывают желание петь, а иные – танцевать? И почему от прослушивания одних возникает чувство легкости и прозрачности, а от других – грусти.
Каждое музыкальное произведение отличается определенным набором характеристик. Эти характеристики музыканты называют
элементами музыкальной речи.
Содержание пьес передается разными элементами музыкальной речи, создающими определенный образ.
Главным средством музыкальной выразительности является мелодия. Именно с мелодии начинается музыка как особое искусство: первая услышанная, первая пропетая мелодия становится одновременно и первой музыкой в жизни человека. В мелодии – то светлой и радостной, то тревожной и сумрачной – слышатся нам человеческие надежды, печали, тревоги, раздумья. У Пушкина в «Каменном госте» есть такое сравнение: «Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает; но и любовь мелодия». Там, где обычный слух улавливает мелодию лишь в звучаниях, великий поэт видит силу, которая является самым ярким человеческим чувством. Мелодия – «главная прелесть, главное очарование искусства звуков, без нее все бледно, мертво…», - писал когда-то замечательный русский музыкант, композитор и критик А.Серов. «Вся прелесть музыки – в мелодии», - говорил И.Гайдн. «Без мелодии музыка немыслима», - слова Р.Вагнера.
Разберемся с этим выразительным средством конкретнее.
Мелодия
– основа музыкального произведения, развитая, законченная музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Это выразительный напев, который может передать различные образы, чувства, настроения.
Греческое слово «melodia» означает «пение песни», так как происходит от двух корней: melos (песнь) и ode (пение). Есть музыкальные произведения, в частности народные песни, которые состоят из одной только мелодии. Анализ речи человека дает представление о ее строении: звуки объединяются в слова, слова – во фразы, фразы - в предложения. Похожее строение имеет и мелодия. Самая маленькой частью мелодии является мотив - короткая законченная музыкальная мысль.
Мотивы объединяются в музыкальные фразы, а фразы - в музыкальные предложения. Каждая мелодия имеет свой музыкальный рисунок, который называется мелодической линией. Несмотря на небольшой размер, мелодия вмещает в себя все составляющие драматургического развития: начало (рождение основного мотива), развитие, кульминация и заключение.
Можно выделить основные типы мелодии. Если мы слышим протяженную мелодию с достаточно широким диапазоном, звучащую legato, ровными длительностями, с чередованием гаммообразного движения с ходами на широкие интервалы, то речь идет о кантилене (в переводе с итальянского «напевная»). Примерами кантилены являются темы II части Симфонии №5 П.И.Чайковского в исполнении валторны, Прелюдия №4 ми-минор Ф.Шопена. Музыкальные темы, содержащие мотивы, напоминающие человеческую речь, называются речитативом. Мастерски использует речитатив в вокальном цикле «Детская» великий русский композитор М.П.Мусоргский. Так в песне «С няней» при помощи мелодизированного речитатива композитору удалось создать яркий, выразительный образ, передать все переживания и страхи ребенка. Третий вид мелодии – мелодии инструментального типа. Они характеризуются немалой виртуозностью, сложными ритмическими рисунками, часто их сложно напеть. Диапазон таких мелодий превосходит диапазон человеческого голоса. Мелодии инструментального типа могут складываться из непрерывного звукового движения. Такие мелодии встречаются в программно-изобразительной музыке. Например, Ф.Мендельсон «За прялкой», Ж.Бизе «Волчок», Н.А.Римский-Корсаков «Полет шмеля», «Вечное движение» Н.Паганини. Последнее среди скрипичных произведений считается чрезвычайно сложным. Мелодия мчится с бешеной скоростью, не останавливаясь ни на одно мгновение.
Каждая мелодия содержит ту или иную интонацию, определяющую ее характер. Слово интонация (от латинского «intono» - громко произносить) имеет много значений. В музыке - прежде всего это звуковое воплощение музыкальной мысли: мельчайший мелодический оборот, выразительный интервал. «Интонация – носительница музыкального содержания» - писал Б.Асафьев. Знакомые нам по урокам сольфеджио музыкальные интервалы, как сказано выше, тоже могут нести в себе определенную музыкальную интонацию. Например, восходящая кварта придает музыке энергичный, часто героический характер, чистая квинта звучит спокойно, дает ощущение простора, секста (особенно малая) несет в себе лиричность. Еще в эпоху Возрождения композиторы знали эти особенности интонаций и использовали их. В их распоряжении были так называемые риторические фигуры, ставшие схемами мелодий, которые подсознательно ассоциировались у слушателей с определенными эмоциями и образами.Anabasis – движение вверх, которое символизирует подъем.Catabasis – движение вниз, которое передает грусть скорбь, горе.Pasus durinsculis (жесткий шаг) – секундовое движение вниз, передает страданиеSaltus durinsculis (жесткий прыжок) – скачки по хроматическим интервалам, тоже передает горе, страдание.Suspiratia – нисходящая секундовая интонация вздоха.Eclamatio – движение на сексту вверх, интонация возгласа, восклицания. Интонация призыва – атрибут героического в музыке. Часто используется в маршевой музыке, в гимнах, песнях, имеющих активный, энергичный, боевой характер. Например, песня А.В.Александрова «Священная война», призывающая народ на защиту Родины от фашистов, или песня Французской революции «Марсельеза» Руже де Лиля,являющаяся ныне гимном Франции, имеют общую особенность – начало мелодии с восходящей кварты.
Лад – не просто стройность и согласие. Это специальный термин, который означает взаимосвязь звуков между собой, их согласованность, слаженность. Лад - это объединение звуков, различных по высоте и тяготеющих друг к другу. Основной звук лада – самый устойчивый, к которому тяготеют все остальные, - называется тоника. Лад влияет на характер музыки, придает ей эмоциональную окраску. Традиционно считается, что музыка, написанная в мажоре, светлая, веселая, бодрая, радостная. А минорная – грустная, печальная, лиричная. Во все времена в обсуждение художественной выразительности этих двух противоположных ладов вовлекались не только музыканты, но и писатели, поэты и философы: «мое убеждение таково, - писал великий немецкий писатель и мыслитель И.В.Гете, - мажорный лад побуждает к деятельности, отправляет в широкий мир… Минорный выражает все невыразимое и томительное». Сравним «Польку» и «Старинную французскую песню» из «Детского альбома» П.И.Чайковского. Обе пьесы написаны в размере 2/4, звучат в умеренном темпе. Однако при прослушивании «Польки» мы ощущаем радость, а «Старинная французская песня» навевает грусть. Причина проста. Автор выбрал для написания веселого танца Си-бемоль мажор, а «Старинная французская песня» звучит в соль миноре. Мажор и минор – самые известные и самые распространенные лады. Нередко композиторы подчеркивают выразительность этих ладов, сопоставляя их. Этот прием помогает выявить особенности, подчеркнуть выразительность мелодии, показать тот или иной образ с разных сторон. Так, например, происходит в «Песне Сольвейг» из сюиты Э.Грига «Пер Гюнт». Подобный прием мы находим и в классических вариациях В.Моцарта, Л.ван Бетховена. Одна из вариаций всегда звучит в одноименном миноре. Интересным примером использования мажора и минора является детская пьесаД.Б.Кабалевского «Клоуны». Их чередование в мелодии рисует изменчивый характер клоуна, моментальную смену эмоций, смеха и грусти. Однако музыкальные лады не ограничиваются только мажором и минором. Существуют разновидности этих основных ладов: натуральный, гармонический, мелодический; старинные диатонические лады - лидийский, миксолидийский, дорийский, фригийский и т.д., а так же пентатоника. Существуют лады, придуманные композиторами для музыкальной характеристики определенных образов и персонажей: хроматический, целотоновый и т.д.. Целотоновую гамму использовал М.И.Глинка для создания фантастического образа Черномора в опере «Руслан и Людмила». В музыке XX столетия появились новые тенденции ладовой окраски произведений. Появилась атональная музыка, лад которой невозможно определить. Примером может служить пьеса №1А.Шенберга из «5 пьес для фортепиано».
Регистр. Человеческий голос, голос каждого музыкального инструмента имеет свой диапазон (расстояние от самого нижнего до верхнего звука). Диапазон делится на регистры: низкий, средний и верхний, то есть зоны звучания. Произведения в низком регистре звучат мрачно, тяжело, в среднем - напевно и мягко, в высоком – звонко и прозрачно. низкий регистр средний регистр высокий регистр
Динамика. Музыкальная динамика возвращает нас к первоистокам музыки. Ведь громкие и тихие, как и разнообразные оттенки, существует и вне музыкальных произведений. Гроза гремит, а моросящий дождик шуршит еле слышно; грозен шум морского прибоя, а плеск озера ласков и совсем не страшен. И даже такие чисто музыкальные особенности как crescendo –постепенное нарастание звучности и diminuendo – постепенное ее ослабление, так же присутствуют и в природе. Динамические оттенки или нюансы так же связаны в музыке с разными уровнями звучности и придают музыкальным произведениям выразительность и напряженность. Динамические оттенки обозначаются в нотах латинскими буквами. f– форте, громко; ff– фортиссимо, очень громко; mf – меццо форте, не слишком громко; mp – меццо пиано, не слишком тихо; p – пиано, тихо; pp– пианиссимо, очень тихо; crescendo– постепенное усиление звука; diminuendo – диминуендо, постепенное затихание; sf – сфорцандо, резкий акцент. sottovoce – сотто воче, вполголоса Во вступлении к I части Концерта для фортепиано с оркестром №2 С.В.Рахманинова партия фортепиано иллюстрирует всю палитру динамических оттенков. Начинается тема с pp и, постепенно, с каждым новым аккордом динамика возрастает (crescendo), достигая вершины звучности на ff у всего оркестра.
Тембры нередко сравнивают с красками в живописи. Подобно краскам, выражающим цветовое богатство окружающего мира, создающим колорит произведения и его настроение, музыкальные тембры также передают его образы и эмоциональное настроение. Музыка неотделима от тембра, в котором она звучит. Каждое, даже самое маленькое, произведение непременно содержит указание на инструмент, который должен ее исполнять. Таким образом, тембр является важным выразительным средством, сообщая музыкальному произведению необходимую характерность звучания.Удар пальцев по инструменту может быть мягким, ласковым, резким, крепким. Звукоизвлечение, дыхание у вокалиста или исполнителя на духовых инструментах тоже возможно в разной манере. Все это – артикуляция (с латинского –«ясно произносить») или штрихи - способ извлечения звука музыкантом. Главные штрихи:Legato(легато) – связно. Arco(арко) – игра смычком. От вида избираемых композитором и исполнителем штрихов зависит создаваемый образ. Например, в пьесе П.И.Чайковского «Сладкая греза» использован штрих legato, поэтому она звучит мягко и лирично. А в «Пещере горного короля» Э.Грига без штриха staccato и акцентов невозможно было бы создать фантастические образы гномов и троллей, которые добывают в горных пещерах золото. Таким образом, каждый музыкальный инструмент имеет свой характерный набор штрихов, свою звуковую палитру, свой диапазон и свой тембр.
Удар пальцев по инструменту может быть мягким, ласковым, резким, крепким. Звукоизвлечение, дыхание у вокалиста или исполнителя на духовых инструментах тоже возможно в разной манере. Все это – артикуляция (с латинского –«ясно произносить») или штрихи - способ извлечения звука музыкантом.Главные штрихи: Legato(легато) – связно. Nonlegato (нон легато) – не связно. Marcato (маркато) – подчеркивая, выделяя. Staccato (cтакатто) – отрывисто. Pizzicato (пиццикато) – игра у струнных пальцем по струнам. Arco(арко) – игра смычком. Glissando(глиссандо) – скользя по струнам или клавишам.
Главные штрихи: Legato(легато) – связно. Nonlegato (нон легато) – не связно. Marcato (маркато) – подчеркивая, выделяя. Staccato (cтакатто) – отрывисто. Pizzicato (пиццикато) – игра у струнных пальцем по струнам. Arco(арко) – игра смычком. Glissando(глиссандо) – скользя по струнам или клавишам.
Раздел пока пуст
Мы уже много раз употребляли это слово. И, кажется, прекрасно его понимали. Но давайте попробуем ответить на простой детский вопрос: что такое мелодия?
Мелодия это музыка!
Но музыка состоит не только из мелодий, но и из многого другого. Между прочим, бывает музыка и без мелодии. И какая музыка!
Мелодия это песня!
Но не только в песнях есть мелодии.
Мелодия это это мотив!
Это распространённая ошибка. Настоящий музыкант никогда не назовёт мелодию мотивом. Точно так же, как шахматист не назовёт ладью турой. А что такое мотив , мы очень скоро узнаем.
Когда мы говорим, мы произносим не просто набор любых непонятных слов, а именно то, что хотим сказать. То, о чём подумали. Когда мы говорим, мы высказываем свои мысли . Или пересказываем чьи-нибудь.
А музыка ведь это тоже язык. И музыкальным языком тоже высказывают мысли. Но мысли музыкальные .
Для того, чтобы нашу мысль поняли другие, её нужно высказать понятно то есть развить и довести до точки. Только такая, развитая и законченная музыкальная мысль становится мелодией. Но музыкальную мысль можно выразить разными способами. Например, цепочкой аккордов. Будет ли это мелодией? Нет. Как мы помним, в аккорде как минимум три голоса. А то и четыре, и шесть. А в мелодии может быть только один голос. Потому что
Теперь мы точно знаем, что такое мелодия. Иногда музыка состоит только из мелодии. Часто такие «одинокие» мелодии встречаются в народных песнях. Эти мелодии настолько выразительны, что не нуждаются ни в какой поддержке.
Пример 4
Русская народная песня «УЖ ТЫ ПОЛЕ МОЁ»
Часто мелодию дополняет сопровождение аккомпанемент. Как, например, в начале Пятой сонаты Моцарта:
«Выловить» отсюда мелодию очень легко она наверху, в правой руке. Но иногда мелодия и аккомпанемент «меняются этажами», как у Шуберта во второй (побочной) теме первой части знаменитой «Неоконченной» симфонии:
Вместе с виолончелями, которые играют мелодию, на нижней строчке притаился бас. Его играют контрабасы pizzicato (пиццикáто то есть не смычком, а щипком).
В этих примерах мелодию найти легко. Она как бы «плывёт» над (или под) однообразным ритмом аккомпанемента. А где мелодия в такой простой пьесе Шумана «Солдатский марш»?
Все голоса движутся одинаково друг под другом. Где же мелодия? Она ведь может быть только в одном голосе. В каком? Наверно, вы уже догадались, потому что вспомнили, в каких голосах легче «попасть в интонацию», когда вы поёте в хоре. Конечно же, в первых. Потому что в многоголосии верхний голос всегда слышен как основная мелодия. Сыграйте мелодию марша Шумана. Что вы должны сыграть?
Хотя здесь, кроме мелодии, есть и другие голоса, их нельзя назвать аккомпанементом, потому что они не сопровождают мелодию (вспомним: аккомпанемент это сопровождение), а составляют с ней единое целое. Как называется такое многоголосие, мы узнаем чуть позже, когда будем говорить о фактуре.
Начинаем заполнять табличку...
Основные |
Дополнительные |
|
|---|---|---|
|
I четверть Элементы музыкальной речи. Характер музыкальной темы. Развитие темы.
Урок 1 . Элементы музыкальной речи. Музыка окружает нас повсюду. Можно сказать, что мы живем в музыкальном мире. Сегодня ведущей ролью музыки стало развлечение: под нее мы танцуем, отдыхаем, музыкальный фон стал обычным, часто даже неосознаваемым. Но музыка с древних времен имеет гораздо большее значение в нашей жизни. Она воспитывает человека, облагораживает его внутренний мир. Музыка помогает: укачать ребенка, организовать массовое действие или общую работу. Музыка лечит. Музыка налаживает общение людей разных национальностей. Музыка (от греч. «муза») – искусство, которое отражает действительность и воздействует на человека при помощи организованных звуков (по высоте, длительности, громкости и тембру). Музыка в чем-то похожа на речь. Она так же обращена к слушателю с целью воздействовать на него. В музыке, как и в речи, внутреннее состояние человека выражается с помощью интонации, регистра, темпа, тембра, динамики их изменения и взаимосвязи. Мелодию, аккомпанемент, лад, тембр, регистр, динамику, темп, штрихи, ритм, и метр - называют элементами музыкальной речи . Мелодия (от греч. «песня, напев») – выраженная одноголосно музыкальная мысль . Мелодия играет самую важную роль в музыкальном искусстве. Мелодия бывает вокальная и инструментальная . Различают два типа мелодии: кантилена (от итал. «пение») – напевная, плавная и речитатив (от лат. «декламировать») – стремление приблизиться к естественной речи. Кроме того, различают мелодии широкого диапазона и узкого диапазона (звуковой объем голоса или инструмента – интервал между самым низким и самым высоким звуком). Большое значение для выразительности мелодии имеет ее направление. Восходящее движение мелодии обычно связано с усилением напряжения, а нисходящее – с расслаблением (влияние закономерностей дыхания и особенностей работы голосовых связок). Но иногда, добиваясь особенного эффекта, композиторы используют, например, нисходящее движение для усиления тревоги, напряжения и наоборот. Чаще мелодия движется волнообразно : широкие ходы вверх заполняет плавное поступенное движение вниз и т.п. Аккомпанемент (от франц.) – сопровождение мелодии . Разделение на мелодию и аккомпанемент свойственно гомофонно-гармонической фактуре (от лат. «обработка, строение» - музыкальное изложение), в отличие от одноголосной, аккордовой или полифонической. Аккомпанемент служит гармонической опорой мелодии (гармония от греч. «стройность, соразмерность» – аккорды и их последовательность). Различают два типа изложения аккомпанемента: аккордовый и фигурированный . Лад (от греч. «согласие, стройность, порядок») – согласованность музыкальных звуков по высоте. В классической музыке чаще используются два основных лада – мажор и минор . Тембр – (от франц. «окраска») – окраска звука. Голоса инструментов, благодаря особому их устройству обладают неповторимым звучанием. По тембру различаются и голоса в хоре (снизу - вверх): бас - тенор - альт - сопрано. Регистр (от лат. «список, перечень») – участки диапазона различных музыкальных инструментов. Различают: низкий , средний и высокий регистры. Динамика (от греч. «сила») – громкость звучания. Для обозначения динамики используются итальянские термины. Темп (от лат. «время») - скорость звучания музыкального произведения. Различают темпы быстрые , умеренные и медленные. Для обозначения темпа используются итальянские термины. Штрих (от нем. «черта, линия») – выразительный элемент, способ исполнения. Так же обозначается итальянскими терминами. Метр (от греч. «мера») – равномерное чередование сильных и слабых долей. Метр и ритм указывают на очень давнюю связь музыки со стихом и телодвижением. Ритм (от греч. «теку») – чередование долгих и коротких звуков. Сочетание разных по длительности музыкальных звуков образует ритмический рисунок. Ритмический рисунок, который используется на протяжении всего произведения или его части, называют ритмоформулой . По ритмоформуле можно узнать некоторые танцы, например, мазурку - Задания: При помощи таблицы в Приложении 1 найдите и выпишите в тетрадь динамические оттенки по порядку: от очень тихого до очень громкого. При помощи таблицы в Приложении 2 найдите и выпишите в тетрадь умеренные темпы. Прочитайте стихи, выделяя ударения в словах, определите, в каком двухдольный метр, а в каком трехдольный. Как называются эти размеры стихов? Найдите свои примеры. Б. Заходер Дедушка Рох Дедушка Рох Посеял горох, Землю пахал – Тяжко вздыхал, Когда убирал – Пот утирал. Когда молотил - По пальцу хватил. Зато, когда ел, Язык проглотил – До того было вкусно! Г. Сапгир Сколько ног? Маша кошку рисовала. Миша ей сказал: Смотри, Ног у кошки вышло мало – Только три. Дай-ка мне подрисовать. Раз, два, три Четыре, пять! Урок 2 Музыкальный образ. Музыкальная тема. Роль элементов музыкальной речи в создании образа. Когда мы слушаем музыку, то не пытаемся выделить отдельно мелодию, ритм, регистр, тембр и т. д., а воспринимаем целое. Перед нами возникает неповторимый музыкальный образ , который хотел донести до нас композитор. Вся сложность заключается в том, что невозможно понимать язык музыки в том же прямом смысле, как мы понимаем язык литературы или конкретные образы живописи. Музыка передает эмоции, настроения, чувства. Подбирая эпитеты (от греч. «приложение») – определения, передающие впечатления о предмете, мы можем описать свои впечатления о музыкальном произведении. В музыкальном произведении может быть один или несколько образов. Они воплощаются в музыкальных темах. Музыкальная тема (от греч. «то, что положено в основу») – основная мысль произведения, материал для дальнейшего развития. По характеру темы могут быть близкими, дополняющими друг друга или, наоборот, далекими, противоположными – контрастными . Сходное или различное звучание музыкальных тем зависит от тех элементов музыкальной речи, которые подобрал композитор для каждой из них. Пользуясь Приложением 3 , подберем эпитеты к Главной и Побочной темам «Богатырской» симфонии А. П. Бородина . Темы контрастны. Характер Главной мы можем описать эпитетами: значительный, мужественный, решительный, настойчивый, воинственный, тяжелый (необходимо подбирать не менее 5 слов). А характер Побочной темы – ласковый, мягкий, приветливый, светлый, спокойный. Подобранные эпитеты помогут нам потом, при повторном прослушивании, узнать темы. Если мы сравним элементы музыкальной речи, из которых складываются Главная и Побочная темы, то увидим, что они тоже различаются. Таким образом, контрастный характер музыкальных тем создается различными элементами музыкальной речи. И, наоборот, в сходных по характеру темах мы обязательно обнаружим общие элементы музыкальной речи. Задания: 1. Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти А. П. Бородина. Какие композиторы жили с ним в одно время? Попробуйте сочинить свое музыкальное произведение. Придумайте и запишите название, характер музыкальной темы и элементы музыкальной речи, из которых он сложился. Сравните характер Главной и Побочной тем в Увертюре к опере «Руслан и Людмила» М. И. Глинки. Есть общие черты? Сходны ли элементы музыкальной речи? Урок 3 Музыкальный образ. Программная музыка. Иногда композитор, желая быть понятым более точно, пользуется способностью музыки передавать не только настроение, но и образы движения, а так же умением подражать различным звукам, например: пению птиц, топоту коней, плеску волн. И перед нашим внутренним взором разворачиваются целые картины, «нарисованные» музыкальными звуками: образ-портрет, образ-сцена, образ-пейзаж, образ-настроение. А чтобы уточнить наши впечатления, направить их, композитор дает произведению название или даже описывает словами то, что мы должны понять из услышанного. Такая музыка называется программной . Музыкальный образ «Полета валькирий» Р. Вагнера доступен каждому слушателю - погоня, битва и падение. Это то, что передано исключительно элементами музыкальной речи. Воинственность музыке придает схожесть с маршем: четкий пунктирный ритм, мелодия с интонациями сигналов, движением по звукам трезвучия. Тембры медных духовых инструментов напоминают военный оркестр. Изменения динамики позволяют представить, как герои приближаются издалека, проносятся мимо и удаляются. Пользуется Вагнер и звукоизобразительностью: скачка, свист, рассекающей воздух стрелы, гром ударов, падение. Таким образом, общий замысел вполне понятен. А знание сюжета оперы «Валькирия» (2 часть тетралогии «Кольцо нибелунга»), где и звучит этот симфонический антракт (музыкальный фрагмент, предваряющий действие в опере) позволяет еще более конкретизировать его содержание: Богиня-воительница, нарушившая волю отца, пытается спастись от его гнева на своем крылатом коне. Прослушав «Полет валькирий» Р. Вагнера, напишем небольшое сочинение, в котором воссоздадим картину, которая нам представилась. Не забудем о том, что яркие музыкальные образы нуждаются в ярком описании. Задания: 1.Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти Р. Вагнера. Какие композиторы жили с ним в одно время? Что обозначает немецкая поговорка: «Настоящий музыкант умеет слышать глазами и видеть ушами»? Запишите элементы музыкальной речи, которыми воспользовался Р. Вагнер в «Полете валькирий». произведений (возможно из репертуара по специальности). Урок 4 Развитие музыкальной темы. Секвенция. Мы узнали, что тема занимает ведущее положение в музыкальном произведении. И не только благодаря запоминающейся мелодии или яркому образу, но и способности к развитию ( изменению). Каждая музыкальная тема на протяжении своего изложения изменяется полностью или частично. Развитие темы приводит к кульминации (от лат. «вершина») – самому напряженному моменту музыкального произведения, или его части . Существует несколько приемов развития музыкальной темы: повторение, секвенция, вариационное развитие, имитация. Самый простой прием развития – повторение . Обычно он встречается в песнях, где одна и та же мелодия повторяется с разными словами. На повторении основана и секвенция (от лат. «следую») - прием развития, который усложнен тем, что тема повторяется на разной высоте, через одинаковый интервал, точно или приблизительно. Прослушаем фрагмент симфонической сюиты Н. А. Римского-Корсакова «Шехеразада» (1888) . Эта музыка программная. Всем хорошо известны арабские сказки «1000 и одна ночь». Но Римский-Корсаков еще предваряет симфоническую сюиту программой: «Султан Шахриар, убежденный в коварности и неверности женщин дал зарок казнить каждую из жен после первой брачной ночи; но султанша Шехеразада спасла свою жизнь тем, что сумела занять его сказками, рассказывая их ему в продолжение 1001 ночи, так, что, побуждаемый любопытством, Шахриар постоянно откладывал ее казнь и наконец совершенно оставил свое намерение. Много чудес рассказала ему Шехеразада, приводя стихи поэтов и слова песен, вплетая сказку в сказку, рассказ в рассказ». Две важные музыкальные темы открывают произведение: Тема Шахриара и Тема Шехеразады – они контрастны. Подберем эпитеты для каждой из них. Развертывание Темы Шехеразады плавно подводит нас к следующей теме – «Море». Мы легко узнаем, откуда она «выросла» - из Темы Шахриара. Тема Моря звучит сначала очень широко, неторопливо, покачиваясь. Постепенно характер темы меняется, представляется, что на море поднимаются волны, они все выше и выше, и вот разражается настоящая буря. Этот эффект достигнут при помощи секвенции – Тема Моря с каждым разом звучит все выше, благодаря этому и нарастет напряжение. Задания: 1. Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти Н. А. Римского-Корсакова. Какие композиторы жили с ним в одно время? 2. Найдите в произведениях по специальности секвенцию. 3. Напишите небольшое сочинение по Теме Моря. Отразите в тексте те изменения, которые с ней происходят. Урок 5 Развитие музыкальной темы. Вариационное развитие. Вариационное развитие – это тоже повторение, но видоизмененное, отличающееся от первого изложения темы. Изменениям могут подвергнуться все элементы музыкальной речи, из которых состоит тема. Вариационное развитие – один из старинных способов изменения музыкальной темы, и основной в народной музыке. Не удивительно, что в произведениях, написанных с использованием народных мелодий, композиторы выбирают именно этот способ развития темы. Прослушаем фрагмент Симфонической фантазии «Камаринская» М. И. Глинки (1848) . Здесь звучат две русские народные темы. Первая – свадебная песня «Из-за гор, гор высоких», а вторая – плясовая «Камаринская». Вариационное развитие помогает Глинке приблизиться к особенностям исполнения народных мелодий. Например, часто русские народные песни начинаются с одноголосного запева, к которому постепенно добавляются голоса, варьирующие основную мелодию. Так и первая тема «Камаринской» излагается сначала одноголосно. Потом к ней добавляются новые тембры различных инструментов, пока не вступает весь оркестр. Плясовая тема также первый раз звучит одноголосно. Ее развитие напоминает разудалую народную пляску, в которой танцоры стараются удивить нас все новыми и новыми «коленцами». Наступает даже такой момент, когда композитор вообще убирает мелодию, оставляя только аккомпанемент. Но плясовая тема уже врезалась в нашу память, и нам кажется, что она продолжает звучать. Удивительнее всего переходы между темами – совершенно различные контрастные первоначально темы после развития совершенно естественно соединяются одна с другой. В финале (4 части) 4 симфония П. И. Чайковского (1877). В композитор тоже использует русскую народную песню. Она настолько известна, что не нуждается в напоминании. Мы ее, конечно, узнали. Для ее развития композитор также пользуется вариационным способом развития. Вариационное развитие помогает раскрыть музыкальную тему по-новому, более полно, с разных сторон, и это очень обогащает звучание. Задания: Пользуясь таблицей в Приложении 4, найдите даты жизни и смерти М. И. Глинки. Какие композиторы жили с ним в одно время? Вспомните и запишите, какие элементы музыкальной речи изменялись в первой теме «Камаринской» М. И. Глинки. Какие во второй? Вспомните и запишите 5 названий произведений П. И. Чайковского. Урок 6 Русское народное музыкальное творчество. Календарные песни. Мы уже начали говорить о народных мелодиях и особенностях их развития. И теперь остановимся подробнее на этом особом искусстве. Вокальное и инструментальное творчество народа называется м узыкальный фольклор (от англ. «народная мудрость»). Авторы народных песен неизвестны, они передаются из уст в уста, и каждый исполнитель добавляет что-то от себя. Благодаря такому коллективному творчеству песни существуют в нескольких вариантах. Кроме того, многократная переработка шлифует напев, оставляя в нем только самые яркие мелодические обороты и интонации. Народная песня неразрывно связана с жизнью народа, его трудом, бытом, мировоззрением. С русской историей сравнивал Максим Горький русскую народную песню. Жизнь древнего человека напрямую зависела от проявления сил природы. Неудивительно, что наши предки не только обожествляли эти таинственные силы, но и подмечали их особенности, закономерности. Все это выражалось в обрядах, а обряды сопровождались песнями, танцами. Сложился годовой круг праздников: Рождество, Святки, Масленица, Сороки (Жаворонки), Пасха, Егорьев день, Троица, Ивана Купалы. Любопытно, что все они были приурочены к еще более древним – языческим праздникам, посвященным дням солнцестояния и солнцеворота. Так сложился самый древний круг песен – календарные . Год начинался весной, именно тогда звучали веснянки . Все действия людей были направлены на то, чтобы поскорее пришло тепло. Дети бегали с выпеченными из теста жаворонками, разбрасывая их в поле или раскачивая на шестах, чтобы они казались летящими. Женщины и девушки поднимались на заре на пригорки или крыши домов и звали весну. Мелодии этих песен состоят из настойчиво повторяющихся восклицательных интонаций. Узкий диапазон и переменный лад – особенности веснянок. Кроме того, каждая строфа заканчивается особым выкриком – «гуканьем». Колядки (от лат. «первый день каждого месяца») – народные величальные песни, приуроченные к зимним обрядовым праздникам: Рождество, Новый год, Крещение. Колядки исполнялись молодыми людьми, часто ряженными, чтобы отпугнуть нечистую силу. На шестах они несли круг с лентами – символ солнца. В каждой колядке есть обязательная часть – величально - поздравительная. За добрые пожелания хозяева должны были одарить колядовщиков. На Святки (время от Рождества до Крещения) молодежь гадала. Часто гадания сопровождались специальными песнями – подблюдными . Они состояли из куплетов-загадок: о скорой свадьбе, богатстве, благополучии, болезни, даже смерти. На блюдо или чашу с водой складывались серьги, кольца всех присутствующих. Во время песни выбранная девушка доставала вещицы по одной - хозяину кольца или сережки и предназначалось предсказание. Хороводные первоначально были одной из разновидностей весенних песен. Позже они стали звучать на протяжении всего года. Хороводы (караводы, карагоды, круги) были круговые и некруговые – песни-игры (танки или гаивки). В песнях-играх танцующие подражали трудовым движениям или разыгрывали шуточные сценки. Хороводные песни могли быть лирическими, плавными, неторопливыми, или – скорыми, шуточными. Задания: По верованиям древних славян Весна прилетала на крыльях птиц. Самой почитаемой птицей был жаворонок. Догадайтесь, почему у него такое название? Зачем колядовщики наряжались медведем, козой, чертом? Нарисуйте такой костюм. Знаете ли вы гадания? Расспросите взрослых и опишите одно. Урок 7 Русское народное музыкальное творчество. Семейно-бытовые. Былины. Лирические песни. Частушки. Еще один обширный круг песен – семейно-бытовые . Русские народные песни были почти на все случаи жизни: Родинные, Крестьбинские, Колыбельные, Свадебные, Плачи. Колыбельная песня служит для убаюкивания ребенка. Очень простая, даже однообразная мелодия звучит спокойно, размеренно, слова и мелодические обороты часто повторяются - ребенка надо усыпить, а не развлечь. Старинная русская свадьба состояла из традиционных комедийных и драматических сцен, игр и сопровождалось все действо разнохарактерными свадебными песнями . Этот «спектакль», в котором были точно расписаны и известны «роли» длился иногда несколько дней, увлекая в свои участники, всех жителей. Руководил всем человек – сват или дружка, который в совершенстве знал все тонкости обряда. Начинались свадебные гуляния в доме невесты: сватовство, смотрины невесты, девичник, выкуп невесты, прощание невесты с семьей. Потом все ехали в церковь на венчание. И вторая часть свадьбы проходила уже в доме жениха. Здесь были накрыты столы и постоянно звучали песни: величальные, застольные, шуточные, плясовые. Особое место в народной музыке занимает песня-плач – напевно интонируемая поэтическая импровизация, связанная с выражением горя, скорби. Пелись плачи на похоронах, при печальных известиях, проводах в чужедальнюю сторону или в солдаты и даже на свадьбах – при прощании невесты с родным домом. Мелодия этих песен очень простая, состоит из нисходящих малосекундовых интонаций, в узком диапазоне. Строчка иногда обрывается вздохами, выкриками или плачем. Уметь плакать должна была каждая русская женщина, но были плакальщицы, которые делали это с особым искусством. Неписанной историей Руси являются былины (старины, старинки) – легендарные поэтические повествования о далеком историческом прошлом. Герои былин – богатыри, носители лучших черт народа, заступники земли Русской. Былины сказывались нараспев под мерный аккомпанемент гуслей. На первом месте был текст, а мелодия только добавляла ему выразительность. Сказителей былин называли Боянами. Это были профессиональные музыканты, которые хранили в памяти огромное количество историй. Народ не делал различий между былиной и исторической песней , называя и ту и другую стариной. Но отличия были и весьма существенные. В исторических песнях события русской истории излагались более точно. Их складывали непосредственные участники татаро-монгольского ига, взятия Иваном Грозным Казани, польской интервенции XVII века, восстаний Ермака и Пугачева, наполеоновского нашествия и др. В музыкальном отношении исторические песни гораздо сложнее былин. Яркие запоминающиеся мелодии с четкой структурой подчеркивают содержание текста. Протяжные лирические песни обращались к внутреннему миру человека, его переживаниям, чувствам. Протяжными их называют за то, что в них широко распеваются слоги - «песня с целую версту». В лирических песнях очень сложные мелодии, свободный ритм, переменный метр и лад. Они являются более поздними – расцвет лирических протяжных песен приходится на XVIII век. А рассказывают они о родной сторонушке, горькой судьбе, разлуке, женской доле, тяжелом подневольном труде и, конечно, о любви. Им свойственна импровизационнть (импровизация - от лат. «неожиданный, внезапный»), поэтому в разных районах одну и ту же песню поют по-разному. Позже всех в XIX веке появились частушки (от «частый» «быстрый») – шуточные песенки-куплеты, четырехстишия, исполняемые обычно под аккомпанемент гармони или балалайки. «Припевки», «прибаски», «коротушки», «тараторки», «припляски» - названия частушек в разных областях России очень точно передают суть этих песен. Лирические частушки назывались «страдания». Частушки русские люди сочиняют до сих пор, отзываясь на события современной жизни хлесткими, шуточными стихами. Задания:
Урок 8 Народная песня в русской классической музыке. Творчество русских композиторов неразрывно связано народной песней. М. И. Глинка говорил: «Музыку создаем не мы, создает народ: мы только записываем и аранжируем » (от нем. «приводить в порядок, устраивать» - переложение обработка музыкального произведения). С конца XVIII века профессиональные музыканты начинают обращать внимание на народные мелодии, используя в своих произведениях подлинные песни или подражая их звучанию. Тогда же появляются и первые сборники русских народных песен. Но особенное внимание русское народное творчество привлекло в XIX веке, в творчестве М. И. Глинки, А. С. Даргомыжского, П. И. Чайковского, композиторов «Могучей кучки» - М. А. Балакирева, Н. А. Римского-Корсакова, А. П. Бородина, М. П. Мусоргского и Ц. А. Кюи. Они записывали, обрабатывали и изучали мелодии народных песен. Самые известные сборники русских народных песен в обработке М. А. Балакирева, Н. А. Римского-Корскакова, П. И. Чайковского и Н. А. Лядова. М. А. Балакирев – русский композитор, музыкально-общественный деятель, организатор объединения музыкантов «Могучая кучка» - после поездки по Волге в 1860 году выпустил сборник «40 русских народных песен в обработке для голоса и фортепиано». Особенно часто обращался в своем творчестве к народным сюжетам, образам и мелодиям Н. А. Римский-Корсаков . В своей опере «Садко» (1896) , написанной на сюжет русской былины о новгородском гусляре композитор размышляет о великой силе искусства - идея, которая привлекала внимание композиторов, как прошлого, так и современности (вспомним хотя бы миф о древнегреческом певце Орфее). Своими песнями Садко покорил грозного Морского царя, завоевал любовь его дочери Волховы, принес богатство и славу родному Новгороду. Мелодии и речитативы оперы очень близки напевам русских народных песен, например, ария Садко из 2 картины «Ой, ты темная дубравушка!» является очень тонкой и точной стилизацией протяжной лирической песни. Лирическое и волшебное начало сливаются в колыбельной Морской царевны - Волховы «Сон по бережку ходил». Использует Римский-Корсаков здесь и подлинные народные мелодии - хор «Высота ли, высота поднебесная» написан на мелодию былины «Соловей Будимерович». Композитор сохранил здесь не только напев, но и народные слова. В опере «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1907) Римский-Корсаков обращается к народной легенде. Еще во времена татаро-монгольского нашествия в XIII веке родилась в народе эта удивительно светлая легенда о чудесном спасении заволжского града Китежа от врагов. Когда вышли татары к скрытому в непроходимых лесах городу Китежу, открылся им только пустой берег озера Светлояр. Но в водах его отражались стены города, маковки церквей, терема и избы. Увидев это, враги, объятые ужасом, бежали прочь. Симфонический антракт «Сеча при Керженце» рассказывает музыкальными средствами о неравной битве защитников Китежа и татарами. Сопоставляя две контрастные темы – русской и вражеской – композитор создает образ битвы. В теме захватчиков-татар Римский-Корсаков использовал (в измененном виде) мелодию исторической песни «Про татарский полон». Задание: Вспомните произведения, прослушанные на уроке, в которых композиторы воспользовались русскими народными мелодиями. Вспомните и запишите названия сказок, рассказов, повестей, или стихотворений, где речь идет о музыкантах. Прослушав Симфонический антракт «Сеча при Керженце» Н. А. Римского-Корсакова, напишите небольшое сочинение. |